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Da artefice della pittura, ho sempre detestato e avversato la pittura informale e astratta con tutti i loro derivati e affini. Vi dirò perché cominciando, a mo’ d’introduzione, da questa semplice osservazione: noi tendiamo facilmente ad accettare i nomi o le definizioni delle cose senza chiedercene il significato. Ma i nomi non sono solo nomi, ossia semplici suoni articolati che servono a riconoscere someone or something behind them is almost always a meaning. And we should never forget to ask what is the meaning behind the names. Well, and by the way, what does the term informal, what would you suggest? Informal must necessarily translate the word, I believe, in "that which is formless," and, going forward with synonyms in order to deepen the meaning, "without form", in "amorphous" in "undefined" and so on to land, essentially a "blank", "futile", "meaningless", that is something "that is devoid of meaning and significance." Let now ask what does "abstract" or "abstract". Here too we can not help but recognize that these items alluded to "what is divorced from reality" and something that has no connection with the real, something false, or, in blunt and raw, a fraud, a sham.
Why do I say these things? Although it is true, and it can not be true, that painting, still with its particular language, is a means by which I try to communicate with my fellows, I can not use a language that has no meaning, which is unrelated with reality, which is a lie and a sham, since is a contradiction in terms unbearable that I want to communicate with others without resorting to a language and form - meaning, not intelligible to my partner. Unless I have nothing to say to my fellow men and be motivated solely by a desire to exercise un'elucubrazione between me and myself, play a futile and useless, precisely an end in itself.
I know saying this to stir up confusion and perhaps the irritation of many, something to which I respond, since I am a follower of freedom, which everyone can think what he wants, more clearly that everyone is free to hang himself prefers the beam . But no, we have a duty to clarify its perché l’errore si è diffuso, l’errore è penetrato in profondità e si è annidato tenacemente nelle coscienze. Quelli di noi che sono rimasti fedeli al figurativismo e non hanno mai rinunciato alla grande tradizione pittorica che abbiamo alle spalle, devono almeno avere il coraggio di promuovere una discussione su come è stata intesa e praticata la pittura da un certo momento del Novecento fino ai nostri giorni.
Intendiamoci, non basta la figurazione per fare buona pittura. Qui non sto promuovendo il realismo, non ho intenzione di teorizzare che il pittore deve riprodurre la realtà qual è, perché chi in passato ha voluto teorizzare questo concetto è approdato a quella che da noi è stata definita la glaciazione neorealistica o, peggio, al realismo socialista che ha afflitto per decenni la Russia di Stalin e la Cina di Mao. E infatti, anche oggi che il figurativismo, non avendo più l’ostracismo dei decenni scorsi torna ad essere praticato, non è che produca grandi risultati o almeno risultati apprezzabili, salvo eccezioni, naturalmente. E questo accade perché qualcosa si è spezzato nel corso del Novecento e l’arte figurativa ha perduto il suo carattere e il suo significato più autentico. Perché in ogni caso – e per essere chiari fino in fondo – non è mai stato sufficiente per un pittore saper riprodurre la realtà per ottenere quello che si chiama l’effetto artistico o, per usare un’espressione che I like more, the magic of poetry. To achieve this we must, in addition to knowing how to play the reality, also be able to transfigure it. This is a rule that can avoid any artistic discipline. A painting is successful when it evokes an emotional reaction in him who observes an impression of serenity, tenderness, sadness, pity, or a flicker of anger, hate, sarcasm, this is the result of excellence to which every self-respecting artist must look.
to try to understand the reasons that have produced dramatic prevailing in the state of painting today, I will start coll'indicarne origins in with a vengeance born from the experimentalism malintesa necessità di andare oltre il già visto e il già provato che da un certo momento in poi ha informato e travolto tutte le discipline artistiche, ma in modo particolare quelle figurative. Questo ha introdotto nell’arte, fatalmente, il concetto di effimero, un concetto che non a caso ha trionfato definitivamente in quella stagione distruttiva che è stata il Sessantotto, e che ha svilito la stessa ragione del fare arte. Perché se c’è qualcosa di non effimero, qualcosa che sfida i secoli e continua a parlare ai nostri cuori nonostante il trascorrere del tempo e il mutare delle generazioni e dei costumi, è proprio l’arte. La contraddizione vistosa e inaccettabile sta, se ci pensiamo, nel fatto che la statuaria greca o le opere di Michelangelo, e i tanti capolavori prodotti fino alla frattura con la tradizione avvenuta nel Novecento, nessuno si sognerebbe di definirli effimeri, mentre l’arte moderna è effimera quasi per definizione. Quindi dobbiamo cominciare col definire conclusa la stagione degli sperimentalismi a oltranza per cui una cosa diventa già vecchia e sorpassata nel momento stesso in cui nasce: l’arte, quella vera, quella che parla al cuore e ai sensi e talvolta anche alla mente degli esseri umani, non è mai vecchia, non è mai effimera.
Un altro concetto importante, che viene subito dopo e di cui si deve riaffermare con forza la necessità, è quello che io chiamo il ritorno al mestiere. Qualcuno avrà notato I prefer to define the art, in whatever form it manifests itself, artistic discipline. This is to emphasize the need for the practice of art should respond primarily to one discipline, namely the need to acquire a job with an apprenticeship (both hard and difficult) through which each find their own personal language. In other words, who wants to make art must first become a craftsman capable , then, if he has talent, can be an artist, big or small we'll see. This is to confirm once and for all a concept that is neglected for some time in the name of the myth of the creative instinct, this established as the product of Sixty. What I mean, essentially, is that talent, to express themselves, have to rely on craft, technique: it must start from there, and it is only from there that can succeed.
Here, it seems needless to say, comes into play the role it should play the school, namely art schools and academies of fine arts, the school that drew my generation still valid and lasting lessons and then, like all school, has largely lost, because, again, it was claimed the false and misleading concept that everything is art, even crushed the can down the street collection or a copy reproduced in different colors, that is what he did, in essence, that tromboncino spennacchiato di Andy Warol. Altrimenti converrebbe forse ritornare alla bottega dei maestri pittori, dove si entrava come apprendisti per acquisire i rudimenti del mestiere e se non si superava il periodo di tirocinio ci si rivolgeva a un altro lavoro. Ma questo, allo stato attuale delle cose, è solo un sogno, anche se, con la volontà, tutto si potrebbe riprendere.
In conclusione, quel che voglio dire è che bisogna finirla una volta per tutte con la presunta idea di avanguardia che va sempre oltre se stessa per produrre solo dei prodotti labili e quindi facilmente rinnovabili, per l’appunto effimeri come qualsiasi altro prodotto di consumo, che si usa e si getta. Questo prima o poi dovrà emergere, e tanto peggio per quei collezionisti sprovveduti che nei decenni scorsi hanno continuato ad acquistare questi prodotti, talvolta per cifre anche cospicue.
E’ questa avanguardia, insomma, che ha finito per distruggere quel bagaglio ingente di esempi, di contenuti e di tecniche che ci avevano lasciato i nostri predecessori: un bagaglio inestimabile di conoscenze e di scoperte: sull’anatomia, sul colore, sulla chimica, sulla prospettiva. A proposito della prospettiva, e tanto per limitarmi a un solo esempio: sono stati impiegati secoli, nel passato, per scoprirla e per riprodurla; poi sono arrivati Picasso e Matisse che, da un giorno all’altro, hanno deciso di abolirla nella loro pittura. Ma Picasso e Matisse hanno potuto permettersi di liquidare questo as other teachings of the past because they had acquired those teachings. While today, without this knowledge, you are totally unprepared because they have no tools. The perspective, to understand, who paints can not afford not to know what it is, though to be able to deny, as did De Chirico, for example, as to create certain dreamlike or metaphysical, as he called them, distorted perspective to make it unlikely, and that to produce an effect of instability and displacement, ie a result that only the knowledge of how to return the prospect, and then distort it, allowed him to get (hence the importance of technology in I mentioned earlier).
Finally I want to reaffirm once again that we must restore to art its primary meaning: that of a person's communication with other people, because if the art no longer serves this task, it means that he ended up losing having its own purpose, its very raison d'etre.
Dionysius of Francescantonio
Why do I say these things? Although it is true, and it can not be true, that painting, still with its particular language, is a means by which I try to communicate with my fellows, I can not use a language that has no meaning, which is unrelated with reality, which is a lie and a sham, since is a contradiction in terms unbearable that I want to communicate with others without resorting to a language and form - meaning, not intelligible to my partner. Unless I have nothing to say to my fellow men and be motivated solely by a desire to exercise un'elucubrazione between me and myself, play a futile and useless, precisely an end in itself.
I know saying this to stir up confusion and perhaps the irritation of many, something to which I respond, since I am a follower of freedom, which everyone can think what he wants, more clearly that everyone is free to hang himself prefers the beam . But no, we have a duty to clarify its perché l’errore si è diffuso, l’errore è penetrato in profondità e si è annidato tenacemente nelle coscienze. Quelli di noi che sono rimasti fedeli al figurativismo e non hanno mai rinunciato alla grande tradizione pittorica che abbiamo alle spalle, devono almeno avere il coraggio di promuovere una discussione su come è stata intesa e praticata la pittura da un certo momento del Novecento fino ai nostri giorni.
Intendiamoci, non basta la figurazione per fare buona pittura. Qui non sto promuovendo il realismo, non ho intenzione di teorizzare che il pittore deve riprodurre la realtà qual è, perché chi in passato ha voluto teorizzare questo concetto è approdato a quella che da noi è stata definita la glaciazione neorealistica o, peggio, al realismo socialista che ha afflitto per decenni la Russia di Stalin e la Cina di Mao. E infatti, anche oggi che il figurativismo, non avendo più l’ostracismo dei decenni scorsi torna ad essere praticato, non è che produca grandi risultati o almeno risultati apprezzabili, salvo eccezioni, naturalmente. E questo accade perché qualcosa si è spezzato nel corso del Novecento e l’arte figurativa ha perduto il suo carattere e il suo significato più autentico. Perché in ogni caso – e per essere chiari fino in fondo – non è mai stato sufficiente per un pittore saper riprodurre la realtà per ottenere quello che si chiama l’effetto artistico o, per usare un’espressione che I like more, the magic of poetry. To achieve this we must, in addition to knowing how to play the reality, also be able to transfigure it. This is a rule that can avoid any artistic discipline. A painting is successful when it evokes an emotional reaction in him who observes an impression of serenity, tenderness, sadness, pity, or a flicker of anger, hate, sarcasm, this is the result of excellence to which every self-respecting artist must look.
to try to understand the reasons that have produced dramatic prevailing in the state of painting today, I will start coll'indicarne origins in with a vengeance born from the experimentalism malintesa necessità di andare oltre il già visto e il già provato che da un certo momento in poi ha informato e travolto tutte le discipline artistiche, ma in modo particolare quelle figurative. Questo ha introdotto nell’arte, fatalmente, il concetto di effimero, un concetto che non a caso ha trionfato definitivamente in quella stagione distruttiva che è stata il Sessantotto, e che ha svilito la stessa ragione del fare arte. Perché se c’è qualcosa di non effimero, qualcosa che sfida i secoli e continua a parlare ai nostri cuori nonostante il trascorrere del tempo e il mutare delle generazioni e dei costumi, è proprio l’arte. La contraddizione vistosa e inaccettabile sta, se ci pensiamo, nel fatto che la statuaria greca o le opere di Michelangelo, e i tanti capolavori prodotti fino alla frattura con la tradizione avvenuta nel Novecento, nessuno si sognerebbe di definirli effimeri, mentre l’arte moderna è effimera quasi per definizione. Quindi dobbiamo cominciare col definire conclusa la stagione degli sperimentalismi a oltranza per cui una cosa diventa già vecchia e sorpassata nel momento stesso in cui nasce: l’arte, quella vera, quella che parla al cuore e ai sensi e talvolta anche alla mente degli esseri umani, non è mai vecchia, non è mai effimera.
Un altro concetto importante, che viene subito dopo e di cui si deve riaffermare con forza la necessità, è quello che io chiamo il ritorno al mestiere. Qualcuno avrà notato I prefer to define the art, in whatever form it manifests itself, artistic discipline. This is to emphasize the need for the practice of art should respond primarily to one discipline, namely the need to acquire a job with an apprenticeship (both hard and difficult) through which each find their own personal language. In other words, who wants to make art must first become a craftsman capable , then, if he has talent, can be an artist, big or small we'll see. This is to confirm once and for all a concept that is neglected for some time in the name of the myth of the creative instinct, this established as the product of Sixty. What I mean, essentially, is that talent, to express themselves, have to rely on craft, technique: it must start from there, and it is only from there that can succeed.
Here, it seems needless to say, comes into play the role it should play the school, namely art schools and academies of fine arts, the school that drew my generation still valid and lasting lessons and then, like all school, has largely lost, because, again, it was claimed the false and misleading concept that everything is art, even crushed the can down the street collection or a copy reproduced in different colors, that is what he did, in essence, that tromboncino spennacchiato di Andy Warol. Altrimenti converrebbe forse ritornare alla bottega dei maestri pittori, dove si entrava come apprendisti per acquisire i rudimenti del mestiere e se non si superava il periodo di tirocinio ci si rivolgeva a un altro lavoro. Ma questo, allo stato attuale delle cose, è solo un sogno, anche se, con la volontà, tutto si potrebbe riprendere.
In conclusione, quel che voglio dire è che bisogna finirla una volta per tutte con la presunta idea di avanguardia che va sempre oltre se stessa per produrre solo dei prodotti labili e quindi facilmente rinnovabili, per l’appunto effimeri come qualsiasi altro prodotto di consumo, che si usa e si getta. Questo prima o poi dovrà emergere, e tanto peggio per quei collezionisti sprovveduti che nei decenni scorsi hanno continuato ad acquistare questi prodotti, talvolta per cifre anche cospicue.
E’ questa avanguardia, insomma, che ha finito per distruggere quel bagaglio ingente di esempi, di contenuti e di tecniche che ci avevano lasciato i nostri predecessori: un bagaglio inestimabile di conoscenze e di scoperte: sull’anatomia, sul colore, sulla chimica, sulla prospettiva. A proposito della prospettiva, e tanto per limitarmi a un solo esempio: sono stati impiegati secoli, nel passato, per scoprirla e per riprodurla; poi sono arrivati Picasso e Matisse che, da un giorno all’altro, hanno deciso di abolirla nella loro pittura. Ma Picasso e Matisse hanno potuto permettersi di liquidare questo as other teachings of the past because they had acquired those teachings. While today, without this knowledge, you are totally unprepared because they have no tools. The perspective, to understand, who paints can not afford not to know what it is, though to be able to deny, as did De Chirico, for example, as to create certain dreamlike or metaphysical, as he called them, distorted perspective to make it unlikely, and that to produce an effect of instability and displacement, ie a result that only the knowledge of how to return the prospect, and then distort it, allowed him to get (hence the importance of technology in I mentioned earlier).
Finally I want to reaffirm once again that we must restore to art its primary meaning: that of a person's communication with other people, because if the art no longer serves this task, it means that he ended up losing having its own purpose, its very raison d'etre.
Dionysius of Francescantonio
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